Comédien, acteur - La construction corporelle du personnage

1) Maîtrise du mouvement au service de la création théâtrale
- gagner en liberté de mouvement et dans la précision du geste (artistes dramatiques), affirmer une théâtralité plus assumée (danseurs, circassiens) ;
- maîtriser les outils du mouvement théâtral (initiation, qualité, espace, rythme) ;
- utiliser les outils techniques du mime corporels (dissociation, isolations, points fixes, points mobiles, résistance, gammes en segments ou en barre) ;
- utiliser le costume comme deuxième peau (sens, symbolique...) ;
- trouver le corps du personnage sans et avec le costume ;
- utiliser le costume comme outil de création, de transformation, d’empêchement ou de libération ;
- instaurer un dialogue avec la création du costume, expérimenter un dialogue entre corps et costume ;
- mettre en jeu l’émotion et travailler le lien entre la sphère sensorielle et émotionnelle ;
- développer l’univers imaginaire de son personnage ;
- faire le lien entre imagination physique et imagination verbale ou entre corps et texte ;
- découvrir un endroit de jeu précis et personnel à la lisière du mouvement et du théâtre.

2) Maîtrise de la construction du personnage corporel
- maîtriser la notion de personnage comme double (c’est le personnage et non la personne qui jouera ainsi un rôle comme celui d’Hamlet ou de Phèdre) ;
- développer la création du personnage par l’écriture sur le plateau (improvisations) ;
- construire son personnage à partir de l’improvisation corporelle et sans source textuelle première ;
- créer et apprivoiser son personnage singulier propre à chacun et pouvant constituer un certain état d’être (corps, gestes, voix) adaptable à toutes les situations (et permettant de jouer plusieurs situations dramatiques dans des contextes et des répertoires variés) ;
- être en capacité de créer un personnage et l’adapter selon le contexte de jeu, le répertoire, le contexte artistique ;
- enrichir sa création à partir de textes et de creative writing.

3) Acquisition d’une méthodologie personnelle de création
- repérer et utiliser ses propres singularités corporelles, vocales et émotionnelles ;
- élargir ses possibilités posturales, son répertoire gestuel et son vocabulaire de mouvement ;
- exercer sa capacité à faire des propositions ;
- développer une écoute active des propositions d’autrui (regard extérieur, partenaire) ;
- s’auto-évaluer sur le plateau et sa méthodologie ;
- élaborer une méthodologie personnelle de construction du personnage ;
- s’inscrire dans un devenir-auteur (savoir ce que cela implique et comment mieux présenter et organiser son travail) ;
- se situer dans la tension entre auteur et interprète ;
- se situer dans le rapport écriture au plateau- écriture à la table ;
- identifier les méthodes corporelles existantes et leurs grands principes ;

La construction corporelle du personnage est désormais présente dans les programmes des écoles nationales et dans la formation continue des artistes à travers les enseignements de masque, de clown, de bio-mécanique Meyerhold ou encore à travers les actions-physiques de Stanislavski, etc. L’objectif de ce stage de formation continue est de faire le point sur les acquis de ces méthodes, de les réactualiser pour un usage contemporain d’acteur et de permettre aux artistes de créer la leur. Les méthodes précitées seront donc conviées non pour valoir en soi mais pour y être réinterrogées, réutilisées et exploitées selon les besoins et les orientations de chacun. Finalement, il s’agit d’utiliser le personnage comme « un masque » permettant de jouer un rôle défini par les circonstances données stanislavskiennes : je ne joue pas un rôle, c’est mon personnage créé qui joue tel ou tel rôle…

Notions abordées :
- définitions et délimitation des concepts de construction du personnage ;
- distinction personne/personnage/joueur ;
- travail sur le neutre et le mouvement minimal essentiel ;
- exploration du mouvement théâtral à travers le mime ;
- principes fondamentaux du mime (décomposition, isolations-dissociations, points fixes, points mobiles, actions et résistance, poids) ;
- travail sur deux fondamentaux appartenant au registre clownesque (les numéros de la chanson et la blague) ;
- travail sur deux fondamentaux appartenant au registre du bouffon (difformités corporelles, la satire et l’excès, du choeur à la meute bouffonesque) ;
- travail sur le rythme (temps / contretemps) ;
- rapport au groupe et contrepoints ;
- les dynamiques du mouvement ;
- composition d’images scéniques fixes et animées ;
- exercices de recherche autour du corps métaphorique (éléments de la nature, objets, animaux etc.) ;
- corps, espace et tempo ;
- recherche autour de la gestuelle : non-verbal, auto-contacts, actions et leitmotivs non verbaux ;
- recherches physico-émotionnelles à partir d’improvisations thématiques ;
- recherches physico-émotionnelles à partir de trainings émotionnels ;
- anatomie du personnage corporel (analyse et utilisation) ;
- de l’attitude au personnage, place de l’imagination verbale ;
- le costume comme support de jeu (prothèses et prolongements, corps-outils, corps-objet) ;
- le costume comme entrave et obstacle physique ;
- notions de personnage post-dramatique et de personnage classique ;
- mise en perspective de la notion de personnage dans le théâtre ;
- méthodologie de l’écriture au plateau et de l’écriture à la table.

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